442ª sessão: dia 14 de Abril (Terça-Feira), às 21h30

“Ascensão” de Larisa Shepitko, esta terça no Lucky Star – Cineclube de Braga 

 

Para honrar a liberdade durante o mês de Abril, o Lucky Star – Cineclube de Braga programou quatro longas-metragens “Contra a Banalidade do Mal”, cujo título do ciclo é alusivo à obra de Hannah Arendt. Os filmes seleccionados denunciam os horrores e as consequências do autoritarismo e da guerra. Revisitando a História através do cinema, o ciclo pretende afirmar-se contra a hiper-normalização da violência e da apatia. Como é habitual, as sessões decorrem às terças-feiras na Biblioteca Lúcio Craveiro da Silva, às 21h30.

Na próxima terça-feira, o ciclo prossegue com o filme Ascensão (Voskhozhdeniye, 1977) da realizadora soviética Larisa Shepitko. Baseado na novela de Vasily Bykov, o filme decorre durante a Segunda Guerra Mundial, acompanhando dois partisans soviéticos em território ocupado pelas forças nazis. Interpretados por Boris Plotnikov e Vladimir Gostyukhin, os protagonistas enfrentam uma situação limite após serem capturados, num percurso centrado em escolhas morais e nas suas consequências.

Produzido pelo estúdio Mosfilm, Ascensão foi rodado em condições exigentes, com filmagens em ambientes naturais de inverno, evidenciando uma abordagem formal contida e um uso expressivo da paisagem. Esta opção reforça o foco no conflito interior das personagens, em articulação com o contexto histórico, explorando a experiência da guerra a partir de uma perspetiva centrada no indivíduo e nas suas decisões.

Formada no VGIK, Larisa Shepitko destacou-se num contexto em que a realização cinematográfica era ainda maioritariamente dominada por homens. Embora inserida num contexto como o da União Soviética, que promovia formalmente a participação das mulheres em várias áreas profissionais, o seu reco-nhecimento, dentro e fora do país, destacou-a como uma das poucas cineastas da sua geração a alcançar projeção internacional, consolidando um percurso autoral singular no panorama do cinema soviético e contribuindo, ainda, para a visibilidade de realizadoras no cinema do século XX. Ascensão é frequentemente apontado como o seu filme mais relevante, tendo sido distinguido com o Urso de Ouro no Festival Internacional de Cinema de Berlim, em 1977.

As sessões regulares do Lucky Star ocorrem no auditório da Biblioteca Lúcio Craveiro da Silva às ter-¡ças-feiras às 21h30. A entrada custa um euro para estudantes, dois euros para utentes da biblioteca e três euros para o público em geral. Os sócios do cineclube têm entrada livre. 

Até terça-feira!

O Ovo da Serpente (1977) de Ingmar Bergman

por António Cruz Mendes

 

O Ovo da Serpente é um filme sombrio. Desde logo, no sentido literal do termo. A maioria das sequências são nocturnas e, mesmo quando é dia, nunca a luz do sol as ilumina. Mas, é-o sobretudo num sentido metafórico. Decorre no ano de 1923, quando na Alemanha reinava a híper-inflacção e toda a gente lutava pela sua sobrevivência sem esperar dias melhores. “Não há futuro. As pessoas perderam o futuro”, diz-nos a dada altura Manuela. Mesmo os momentos de diversão ou os encontros amorosos são patéticos. Caricaturas grotescas do que pode ser a alegria e o amor. E é neste contexto que, como uma sombra que se vai alongando, vai ganhando forma a ameaça nazi.

Enquanto a câmara segue os passos de Abel pelas ruas sujas e enevoadas de Munique, o narrador dá-nos conta desta situação: “3ª Feira, 6 de Novembro. Os jornais estão repletos de medo, ameaças e rumores. Um confronto sangrento entre os partidos extremistas parece inevitável. Apesar de tudo, as pessoas vão trabalhar. A chuva nunca pára e o medo surge, como o vapor, das pedras da rua. Pode ser sentido como um cheiro pungente. Todo o mundo o suporta como um envenenamento interno, como um envenenamento lento sentido apenas como um pulsar, mais rápido, mais lento, ou como um espasmo de náusea”.

As personagens centrais do filme são Abel Rosenberg e a sua cunhada Manuela, ambos antigos artistas de circo. Também eles vivem desesperadamente à sombra da pobreza e do remorso. Manuela culpabiliza-se pelo suicídio de Max, o seu marido, e Abel tem uma vida sem propósito que apenas suporta quando se embebeda. Deus é uma figura ausente, como nos diz o padre a quem Manuela confessa a sua culpa. “Precisamos de nos ajudar uns aos outros, dar uns aos outros o perdão que um Deus distante nos nega”. Abel é a testemunha silenciosa que nos vai conduzir dos bas-fonds da cidade de Munique aos espaços labirínticos da clínica do Doutor Vergerus.

No mundo deliquescente da Alemanha do pós-guerra, duas personagens contraditórias procuram oferecer-lhe uma ordem. Uma “nova ordem”, na perspectiva de Hans Vergerus, um cientista que, usando cobaias humanas, realiza experiências que têm como propósito manipular as emoções dos seus pacientes. Trata-se de explorar os seus limites até às últimas consequências, com a finalidade de os conhecer para poder remover as fragilidades do comportamento humano em prol de uma superior eficiência. Apesar do seu menosprezo pela figura de Hitler, sua clínica prefigura numa dimensão laboratorial a sociedade de controlo totalitário que o nazismo tentará fundar. Ao Inspector Bauer, pelo contrário, cumpre-lhe dar o seu pequeno contributo para restabelecer alguma ordem na República de Weimar, descobrindo o responsável pela misteriosa série de mortes que têm ocorrido em Munique.

Aparentemente, Bauer é o vencedor. Os seus polícias invadem a clínica e Vergerus suicida-se. Entretanto, chegam as notícias de que fracassou o golpe que Hitler preparava em Munique. Porém, como diz Vergerus a Abel, “qualquer um que faça o mínimo esforço poderá ver o que nos espera no futuro. É como o ovo da serpente. Através da membrana fina pode-se distinguir claramente o réptil já perfeitamente formado”.

 

Folha de Sala 

441ª sessão: dia 7 de Abril (Terça-Feira), às 21h30

“O Ovo da Serpente” de Bergman, esta terça no Lucky Star – Cineclube de Braga

 

Para honrar a liberdade durante o mês de Abril, o Lucky Star – Cineclube de Braga programou quatro longas-metragens “Contra a Banalidade do Mal”, cujo título do ciclo é alusivo à obra Eichmann em Jerusalém: Um Relato sobre a Banalidade do Mal (1963) de Hannah Arendt.

 

Os filmes seleccionados denunciam os horrores e as consequências do autoritarismo e da guerra. Revisitando a História através do cinema, o ciclo pretende afirmar-se contra a hiper-normalização da violência e da apatia. Como é habitual, as sessões decorrem às terças-feiras na Biblioteca Lúcio Craveiro da Silva, às 21h30.

Na próxima terça-feira, o ciclo abre com o filme O Ovo da Serpente (1977) de Ingmar Bergman. Produzido durante o período em que o realizador se encontrava fora da Suécia, o filme decorre na Berlim de 1923, num contexto de crise económica e instabilidade política. Através da figura de Abel Rosenberg, um judeu estrangeiro progressivamente isolado, o filme evidencia um contexto de crise, desagregação social e vulnerabilidade que antecipa formas de exclusão e desumanização mais tarde institucionalizadas pelo regime Nazi.

A narrativa centra-se em Abel Rosenberg, interpretado por David Carradine, um artista judeu-americano que permanece na cidade após a morte do irmão. A personagem estabelece uma relação com Manuela, interpretada por Liv Ullmann, num enredo que acompanha a progressiva deterioração das suas condições de vida. Desesperado por sobreviver na cidade ainda devastada pela guerra, Abel aceita um emprego na clínica do professor Veregus. Aí, descobre a terrível verdade por detrás do trabalho do professor, estranhamente benevolente, e desvenda o mistério arrepiante que levou o seu irmão ao suicídio. 

O elenco inclui ainda Gert Fröbe e Heinz Bennent. Rodado em língua inglesa e com financiamento internacional, distingue-se no conjunto da obra de Bergman pelo contexto de produção e pela aborda-gem histórica directa. O Ovo da Serpente integrou a seleção oficial em competição no Festival de Cannes, em 1977. A receção crítica à época foi desigual, tendo o filme vindo a ser posteriormente reavaliado no contexto da filmografia do realizador.


As sessões regulares do Lucky Star ocorrem no auditório da Biblioteca Lúcio Craveiro da Silva às terças-feiras às 21h30. A entrada custa um euro para estudantes, dois euros para utentes da biblioteca e três euros para o público em geral. Os sócios do cineclube têm entrada livre.

Até terça!

 

Em Abril no Lucky Star - Cineclube de Braga:

Matthias & Maxime (2019) de Xavier Dolan

por Estela Cosme

Matthias e Maxime é um filme que nos causa bastante estranheza e bastante familiaridade simultaneamente. Ao mesmo tempo que é uma história sobre amizade e amor juvenil, é também um retrato de jovens adultos que se encaixam numa vida ainda em construção, onde cada episódio é monumental e banal ao mesmo tempo. Onde tudo parece efémero, mas profundamente marcante, e sabemos perfeitamente que o que acontece irá moldar as personagens de forma irreversível. É por isso um filme de contradições, mas também do que existe entre elas e por causa delas.


A história gira à volta de um grupo de amigos de infância que agora são jovens adultos, obrigados a definir o seu presente pelas suas ambições profissionais. No entanto, as suas amizades deixam-nos prendidos à sua adolescência e à forma grosseira e reactiva de viver e de agir a que estão tão habituados, sendo o grupo o único elemento familiar num mundo caótico e temível, a sua única rede de segurança. 


Mas este é um grupo de homens concentrados em si próprios, onde existe uma masculinidade não só dominante, mas também agressiva. Tudo o que ousa "furar" esta bolha é retratado de forma negativa, e as personagens femininas não escapam às críticas e ao desdém das personagens principais. Vemos a irmã de Rivette a ser gozada e repetidamente desvalorizada como artista. A mãe de Maxime é apenas violenta e manipuladora, um dos vários motivos que leva Maxime a querer sair do país (vemos outra relação de mãe e filho turbulenta noutro filme de Xavier Dolan, Eu Matei a Minha Mãe). Até Matthias encara a mãe de forma negativa, apesar de como espectadores não nos serem apresentados motivos. E é no meio desta virilidade bem marcante e do caos que ela traz que descobrimos que existe uma espécie de história de amor, e essa história não é perfeita, tal como as suas personagens. 

Matthias e Maxime conhecem-se desde a infância mas há algo entre eles que os une de uma forma que não une os outros amigos. Quando são emboscados para aparecer numa curta-metragem da irmã de Rivette, eles descobrem que têm que se beijar em frente à câmara, levando o grupo de amigos a relembrar que isso já tinha acontecido na secundária. Um lapso devido ao efeito de drogas, segundo Matthias. Mas ao longo do filme descobrimos que a verdade é bem mais complexa, e apesar de viverem as suas vidas como homens heterossexuais, há uma paixão silenciosa por explorar entre ambos. O beijo entre eles causa uma grave crise existencial, que mexe profundamente com os dois, e que põe em causa não só a sua amizade, mas também o grupo de amigos, as suas respectivas relações amorosas, e a eventual partida de Maxime para a Austrália. 

Para as personagens principais, chegou o momento de lidar com o que já não podem mais adiar. O inevitável surge no pior momento, exacerbado pelo sofrimento das mudanças, o caos do dia-a-dia e a pressão da despedida. A repressão da sua homossexualidade tem consequências nefastas, como é óbvio, e o amor que existe entre os dois nem é saudável nem é minimamente tangível. O que vemos neste amor tem pouco de carinho e de lealdade, é o amor de uma amizade agridoce que se foi azedando com o tempo, com sentimentos por definir e uma atração mal interpretada por ambas as partes. Não sabem o porquê desse puxão magnético que os une, o que os leva a afastar-se cada vez mais. Para tornar as coisas ainda mais difíceis, agora há uma contagem decrescente até ao momento em que se devem separar de vez. O amor entre eles tem então os dias contados, e tudo o que se diga e se faz conta muito, para o bem e para o mal. E como vemos ao longo do filme, é sobretudo para o mal. 


Mas o filme não só lida com a frustração de um amor por realizar. Lida também com a esperança de que ele eventualmente seja realizado e correspondido. Mas se esse é um amor pelo qual devemos nutrir, isso já fica a cargo de cada espectador. Para muitos, talvez a aridez da Austrália pareça bem mais acolhedora.

Folha de Sala

440ª sessão: dia 31 de Março (Terça-Feira), às 21h30

“Matthias & Maxime”, esta terça no Lucky Star – Cineclube de Braga

 

Para Março, o Lucky Star – Cineclube de Braga apresenta uma retrospectiva dedicada ao realizador canadiano Xavier Dolan. Com apenas vinte anos, Dolan afirmou-se como um dos grandes prodígios do cinema contemporâneo. Realizador, argumentista e actor, construiu uma obra pessoal, marcada por uma estética vibrante e jovial, mas também por uma profundidade dramática rara com pontuações musicadas. Como é habitual, as sessões decorrem às terças-feiras na Biblioteca Lúcio Craveiro da Silva, às 21h30.

Na próxima terça-feira, encerra-se a retrospectiva dedicada a Xavier Dolan com a exibição de Matthias & Maxime (2019), um filme centrado nas relações de amizade e nos processos de redefinição afectiva na vida adulta.

 

A narrativa acompanha Matthias e Maxime, amigos de longa data que integram um grupo próximo e coeso. A dinâmica entre ambos altera-se quando aceitam participar num filme estudantil, no qual partilham um beijo em cena. Este episódio desencadeia uma série de questionamentos que irão afectar a forma como cada um se relaciona consigo próprio e com o outro, colocando em causa equilíbrios até então estabelecidos.

Interpretado por Gabriel D'Almeida Freitas e pelo próprio Xavier Dolan, o filme conta ainda com a participação de Anne Dorval, colaboradora habitual do realizador. O elenco contribui para a construção de um registo próximo do quotidiano, assente em diálogos naturais e numa atenção particular aos gestos e às hesitações das personagens. Rodado maioritariamente no Quebeque, Matthias & Maxime apresenta uma abordagem formal mais contida em comparação com obras anteriores de Dolan, privilegiando a observação das interações entre personagens e a construção progressiva de tensão emocional. 

O filme estreou no Festival de Cannes de 2019, integrando a competição oficial, e marcou o regresso de Xavier Dolan a um registo mais centrado nas relações interpessoais. A obra foi também exibida em diversos festivais internacionais. Com Matthias & Maxime, Xavier Dolan propõe um retrato das am-biguidades do desejo e da dificuldade em nomear os afectos, explorando os momentos de transição em que a amizade e o amor deixam de ser categorias estáveis.

As sessões regulares do Lucky Star ocorrem no auditório da Biblioteca Lúcio Craveiro da Silva às terças-feiras às 21h30. A entrada custa um euro para estudantes, dois euros para utentes da biblioteca e três euros para o público em geral. Os sócios do cineclube têm entrada livre. 

Até terça!

Mommy (2014) de Xavier Dolan

por Jessica Sérgio Ferreiro

 

Mommy é um drama familiar e psicológico, centrado na relação “disfuncional” entre mãe (Diane ou Die) e filho (Steve), cujos mundos interiores são tão complexos como a relação entre ambos. Se no seu primeiro filme, Dolan tentava simbolicamente “matar” a mãe (Eu Matei a Minha Mãe, 2010), em Mommy a morte do pai leva Steve a tentar protegê-la. Ao procurar ocupar o lugar vago da figura paterna, a sua conduta revela um profundo complexo edipiano. Para além disso, Steve é um jovem de comportamentos erráticos, cujo lugar na sociedade parece inexistente ou interdito, empurrando-o para as margens do sistema (facto que Dolan pretende criticar com este filme).

 

Como é habitual em Dolan, as mulheres ocupam o centro da narrativa, representando um universo feminino multifacetado e elevando mulheres cujas aparências são frequentemente alvo de escrutínio e preconceito social. Diane é uma mulher resiliente que luta incansavelmente pelo bem-estar do filho e pela estabilidade material da família. Em contraste, a vizinha Kyla surge como uma mulher constrangida ou sufocada pelos seus papéis domésticos de mãe e esposa, uma personagem cuja voz (literal e metaforicamente) se solta à medida que se integra na dinâmica vibrante e caótica de Die e Steve. Ao contrário de Diane, Kyla é contida e inibida. Professora em licença sabática, ela emerge do seu isolamento, tanto físico como mental, ao assumir a educação de Steve, reencontrando a alegria no seu papel de professora. Kyla personifica a esperança e a capacidade de transformar o mundo através da empatia (ecoando o discurso final de Diane), dedicando-se a resgatar Steve das margens da sociedade para que ele alcance o futuro que ambiciona (E não será essa a missão maior do professor?).

O filme pode, ainda, ser analisado a partir da articulação entre a forma e a narrativa, ou seja, aqui a dramaturgia constrói-se também através do formato. O uso do formato de imagem 1:1 (nada convencional) funciona como um dispositivo de restrição do campo visual, concentrando a atenção do espectador nas personagens e forçando, assim, uma relação de proximidade com estas. A encenação e composição é centrada no sujeito, repleta de close-up e planos de pormenor, onde o tempo é subjectivo e o espaço deixa de ser neutro, para reflectir os estados emocionais das personagens e as condições sociais que as afectam. Este enquadramento constrangedor e asfixiante traduz, assim, a opressão sentida pelos personagens.

Quando chegamos exactamente a meio do filme, a variação do formato introduz uma ruptura no sistema visual do filme que pode ser lida como um momento de suspensão da norma narrativa, remetendo para uma ideia de cinema como experiência sensorial, em que a forma também produz significado. A expansão do ecrã não traduz apenas um estado psicológico, materializa, também, no próprio dispositivo cinematográfico, a possibilidade de abertura e projecção, existindo, assim, uma relação dialéctica entre forma e conteúdo.

Este momento pode também ser lido à luz da teoria da “imagem-afecção” de Gilles Deleuze[1], na medida em que a forma deixa de representar uma acção para se tornar expressão directa de um estado emocional. A variação do formato não é apenas um efeito estilístico, mas uma intervenção no próprio dispositivo que reorganiza a relação entre imagem, corpo e espaço. Aliás, é o próprio Steve que expande, com as mãos, a primeira sequência para o formato 1.85:1, maior que o 16:9 (acontece duas vezes no filme), quebrando, ainda, a “quarta parede”. A “quarta parede” refere-se ao momento em que uma personagem ficcional interage directamente com o dispositivo cinematográfico, rompendo com o carácter ilusório do próprio cinema (quando, por exemplo, o personagem olha directamente para a objectiva e fala com os espectadores). Em Mommy, o gesto tem significado: Steve abre o campo visual num gesto libertador, momento da história em que, finalmente, as três personagens encontram fôlego. 

O uso da música também é crucial na interrupção da narrativa linear, aproximando-se também da lógica de “imagem-afecção”, proposta por Deleuze, onde o foco recai na intensidade emocional mais do que na causalidade da acção. Estas sequências funcionam como “blocos sensoriais”, nos quais o tempo narrativo é suspenso para dar lugar a uma experiência mais imediata e subjectiva.

Por outro lado, a relação entre Diane e Steve inscreve-se numa tensão entre esfera privada e regulação social e institucional. A referência à lei fictícia S-14, que permite a institucionalização de jovens considerados “problemáticos” e cuja tutela passa exclusivamente a ser do estado ou da instituição, sugere uma leitura do filme a partir do conceito de biopolítica[2]  (gestão e controlo/adestramento dos corpos), tal como discutidos por Michel Foucault, e cuja crítica aos mecanismos de exclusão social, sabemos ter sido, também, intenção do realizador. Neste contexto, o espaço doméstico surge simultaneamente como lugar de protecção e de conflito, evidenciando os limites das estruturas familiares (e das relações Humanas reais) face a sistemas normativos mais amplos e excludentes. Assim, Mommy pode ser pensado como um objecto que articula forma e política: a estilização não funciona como ornamento, mas como modo de produzir sentido, colocando o espectador perante uma experiência que é simultaneamente emocional, estética e crítica.

O filme estreou no Festival de Cannes de 2014, onde recebeu o Prémio do Júri, partilhado com Adieu au langage de Jean-Luc Godard. Ao longo do circuito internacional, Mommy foi amplamente distinguido, incluindo o Prémio César e Melhor Filme Estrangeiro, e representou o Canadá na corrida ao Óscar de Melhor Filme Internacional. A obra integrou ainda a programação de diversos festivais e consolidou o reconhecimento de Xavier Dolan a nível internacional.

 

[1]  Ver: Deleuze, G. (1985). A imagem-tempo. Editora Brasiliense

[2]  Ver: Foulcault, M. (2003 [1997]): Society must be defended: Lectures at the Collège de France, 1975-76. New York: Picador.

 

 

Folha de Sala